地球から２ミリ浮いてる人たちが語る、点を見つめ直してできた私たちの形

僕の父親はアメリカの大学を卒業していて、今もデザイナーをやりながらドラマーとしても活動しています。そんな父の影響もあって、僕も小学校１年生のころから音楽をやり始めました。その時から「いつかはアメリカの大学に行こう」と思っていました。

私はお母さんがクラシックピアノの先生とヴィオラ・ダ・ガンバという古楽器の奏者をやっていて。その影響で３歳からクラシックピアノをやっていました。その後、高校で後輩だったサキホ（Ba）や先輩だったコバタと出会ったんです。それから二人の影響もあり、ポップスに興味を持つようになり、３人で定期的に集まって、弾き語りとかバンドのまねごとをやっていました。

３年生の頃、自分の進路を考えていた時に、当初はピアノ専攻で日本の音楽大学を受けようと思っていましたが、アメリカの大学に行っていたコバタから「アメリカの大学なら、ピアノのレッスンを受けながら、ポップスとかロックとか、いろんなジャンルも学べる」と聞いて。私もさまざまな音楽を吸収したいなと思い、アメリカの大学に行こうと決心しました。

そうです。コバタはアメリカの大学を卒業したのですが、私はアメリカに渡って「これから音楽を勉強するぞ」というタイミングでロックダウンになってしまったので、半年くらいで帰国しました。それで日本に帰ってきた時にコバタとサキホと集まって、話をしたんです。「私たちで音楽をやるしかないんじゃないか」ということになって、バンドとして本格的にやることにしました。

バンド名を決めるときに、私が小さいころに教えてもらっていた音楽学校の先生を思い出して。その人はちょっと浮世離れしている雰囲気で「私ってドラえもんみたいに、３ミリ浮いてるのよね」みたいなことを言ってたんです。私たちもその先生みたいにいろんなところがはみ出している「浮いてるような人たち」になれたらなって思ったんで「地球から２ミリ浮いてる人たち」という名前にしました。

彼らの音楽は「伝えたい何か」が詞でも表現されているし、余分な音がないシンプルだけど奥行きのあるサウンドが素晴らしいんですよね。さらに包み隠さず裸で歌っている生々しい部分も好きで、「私たちもそうできたらいいね」とバンド内でよく話しています。

ノスタルジックな部分なんだと、今回のアルバムをつくってわかった気がします。制作に入るときに、みんなで私たちにしかできないことを見つめ直したんですけど、「故郷」とか「ルーツ」というのがあるなと思ったんです。私が住んでいるのは南丹市で、コバタが京丹波町。他のメンバーも福知山とか、京丹後の出身です。みんな田舎ののびのびとした空気感の中で育ってきたというのが共通点でした。この風景を音楽で表現することは私たちにしかできないんじゃないかと。そこだけは絶対に忘れないようにしようと思っています。

ここに至ったのもコロナ禍が大きいです。アメリカから帰ってくることになって、これまでの普通の生活も、音楽をやることも当たり前じゃなくなりました。そんな時に僕らの地元の風景、例えば田んぼや畑で農業をやっていたり、かやぶき屋根の家とか、ずっと変わらないものがあることがどれだけ豊かで、幸せなのかということに改めてはっきりと気づいたんです。そんな時期にバンドを始めた自分たちだから、地元が持つ豊かさとか懐かしさ、安心感のある音楽をしようというのがテーマになっていますね。

アルバムのレコーディングも当初は東京でする予定だったんですが、私たちがこの作品でやろうとしているのは「自分たちの故郷、京都北部の田舎の雰囲気を収める」ということだと、改めて立ち返って。曲作りやプリプロはよしにい（コバタ）の自宅のスタジオでやり、レコーディングも京都のスタジオでやった方がいいと思い出会ったのが〈マザーシップスタジオ〉だったんです。

エンジニアの野村智仁（※）さんとレコーディングの進め方やアレンジを話し合いながら、一緒に作り上げられたという感覚があります。前作は各パート別録りでしたが、今回は一斉に演奏したのでメンバーの足並みも揃えられた。バンドとしてのグルーヴ感とか熱量を、閉じ込められたかなと思います。

『アメリカンドリーム』をリリースしたころから「もっと、こうやりたかったな」と思う部分があって。ライブを重ねるうちに、新しい曲を書きたいという気持ちになりました。そのタイミングで今のディレクターである粟生田さん（※）に声をかけていただき、早速新作に取り掛かったという流れです。

それまでは自分たちが好きに楽しくできればいいと思っていた部分があったんだと思います。でも同時に「それでいいのか」という違和感もあって。

『アメリカンドリーム』では好き放題にギターを弾いたり、“Wherever”ではヒップホップの要素を入れたくて、ラップをしたり。あと“ニンゲンムシ”でも１番と２番でボーカルを変えたりとか、いろいろ試すのが楽しかった作品でしたね。

今まで書いてきた曲たちは、バンドで演奏したらどう映るかという部分を考えていたんです。でも今回は相手に自分の思いをどう伝えるかをすごく考えるようになりました。それで最初にできた曲が“はじまりの日には”です。歌詞は２人の話ですが、実はバンドメンバー全員に対して「みんなでこれからも一緒にバンドをやろう」という思いを込めてつくりました。

今回のアルバムの中で、最初にこの曲が送られたのですが、すごく感動して。今までの歌詞はスパッと出てきた言葉で組み立てた、リズムを重視している印象がありました。ただ“はじまりの日には”のデモを聴いた時、歌詞や歌に焦点を当てて作っていることがわかりましたし、今までの曲とは重みが違う。

きっかけは、いろいろありますね。例えばコロナの影響でライブが中止になったり、または配信のみになってしまったこととか。限られた機会や時間のなかで、自分の思いをしっかり伝えないといけないなと思い直しました。

あとディレクターの粟生田さんから「詞や曲がバンドの枠や見せ方を前提にしているように聴こえるし、本当に自分が伝えたいことや思っていることがもっとあるはずなんじゃないか」と言われたことも大きいです。この人は『アメリカンドリーム』しか聴いていないのに、私たちの思いとかやりたいことを見抜いているんだとびっくりしました。作品からももっと自分の想いは伝わるはずから、今まで以上に自分自身と向き合わなくてはといけないと思ったんです。

だから今回の作品から、やりたいことをやるという形から、みんながあるべき方向を向いて音楽をやるようになった気がします。いろんな意見を重ねた上で、自分たちの音楽がようやく見えてきた。

基本は自分が主体となってやっています。アレンジが一通りできあがったら全員で話をして、仕上げていってます。

今回は中野の歌が映えるように、さらにバンドは一体感が出るようなアレンジにしたくて。だからギターも歪ませず、メロディに沿ったリフを弾いてみたり、ベースもルート音だけを弾くだけじゃなくて、メロディをつけてみたり。工夫は色々しました。

ドラムも叩きすぎるとギターロックっぽくなって、歌があまり映えなくなってしまう。「もっとシンプルにするには」ということばっかりみんなで考えていましたね。

「うつろひ」って過去に思いを抱えながら、次に進んでいくようなイメージが私の中にあって。だからアルバム全体を通して、過去の自分たちから変化した姿と、これからも変わり続けるスタートラインのような作品になっていくという意味を込めて『うつろひ』とつけました。私たちはこれからも進化していきたい。過去に書いた曲を超えたいし、歌い手としても進化したい。

東京や、関西だけではなく、どこに行っても私たちの音楽を聴いてくれている人がいてほしいです。それにライブハウスで演奏した瞬間に自分たちの空気を作れるような、雰囲気をもったバンドになりたいですね。空・山・風を感じられる自然みたいな空気をお客さんにも感じてほしいです。

僕も同じです。場所にこだわらず、世界中どこでも自分たちのスタイルを貫いていきたいというか、全世代、全人類に寄り添える存在になりたいです。そして寄り添ってくれた人の人生を変えるくらいの、エネルギーのある曲を届けたい。

ぼくはもう卒業しましたし、日本でバンドをやり続けたいですね。

実は私は今、休学という状態で。コロナが収まって復学できる状況になっても、すぐにはアメリカに戻らずバンドで目指せるところまでは日本にいたいです。

奇妙な話ですが、小学校のころに父親の影響でロックに目覚め、ギターを弾くようになりましたが、そのころから「世界中で自分たちのバンドが聴かれている」というぼんやりしたイメージを持っていました。だから日本でバンドを結成することにはなったけど、だんだん近づいている感じはあります。

私は思ってもみなかったです。ここに来るまでいろんな点がつながって、クラシックをやっていたけど、本当はバンドが一番やりたいことだったんだとわかったし、一番私を表現できるのがこの４人だと思ったので。これからもこの活動をすごく大事にしていきたい。